2014 空白

媽的我受夠旁邊的廣告了，版面再極簡都沒用。

搬家。

還想看我一年寫一篇文章的人請留言。

雖然標題非常狂妄，但其實只是想表達一下我長期以來對「青春」投入的觀察與思考有多麼狂熱。雖然我非常不想放這個版本的影片（比較想放單純歌曲的），但不這麼放好像不夠專業似的，尤其這張海報並沒有道出一切，反而有誤導效果，所以還是放上有電影畫面的影片比較貼心吧。

這部電影之所以一開始吸引到我的注意，不外乎是片名，再來就是導演是趙薇。當年那個唱著《有一個姑娘》的趙薇，應該也代表了一些我們的清純時光（清蠢時光）。好吧，先別提瓊瑤了，也別提趙薇身為小燕子這一件事了，你必須知道這對一個看還珠格格看了十幾次的人來說，在這個點上面選擇緘默有多麼困難。尤其會看我網誌的，我相信也都有很認真地追過《還珠格格》。

回到正題，青春。老實說，這個故事並沒有什麼新意，甚至我也不覺得深刻，可是我看著看著還是哭了。理性分析之後，我歸納出以下幾點：

1.我淚腺發達
2.音樂

其實看了這部片子好幾天了，剛看完的時候想寫心得，幾個小時過去後，衝動也過去了（是的，連寫心得都需要衝動）。不過因為喜歡上這首歌，然後偏執如我當然想辦法去找出所有David Bowie的歌，聽過一輪之後，就有種「嗯！好好來寫這篇心得吧！」的心情。於是here it goes：

事實上，我蠻喜歡看美國的校園電影，所謂的YA電影(Young Adult Movies)。大部分的YA片都是輕鬆、幽默甚至搞笑的片子，是可以不需要花甚麼大腦，只享受一點悠閒的放鬆電影。這些故事其實也都大同小異，受歡迎／不受歡迎，男／女，社團活動，最後來個比賽獲勝擄獲芳心之類的。不過老實說美國電影領先全世界不是沒有原因的，再怎麼看似腦殘的類型（genre），都可以再創造另一個層次。於是有了一種我更愛的類型電影，我沒辦法創造一個字來定義這些電影，不過可以舉例：《Little Miss Sunshine/小太陽的願望》、《Napoleon Dynamite/拿破崙炸藥》、《Perks of Being A Wallflower/壁花男孩》...等等。並且我要再大膽的說，美國和歐洲都有這類「一點並不腦殘、可以輕鬆的看可是看完心裡會有點重量」的青少年電影，不過文化上的不同還是造成了調性很大的差異。歐洲電影大部分隨性，表達出來的價值觀之於我們也相對遙遠了一點。當然，這和我比較熟習美國文化也有關係吧。相較之下，美國的這類電影多半還是採用比較精準扎實的方式去敘述，少了一點輕飄飄，少了一點手持式的寫實，可是多了一點壓力迫使你去正視，多了一點想告訴你甚麼道理的理所當然。

有從我高中時代開始看我寫東西的人，不，甚至可能更早，就會知道我時常把「青春」兩個字掛在嘴上。一路上從渴望某種形象的青春、怨嘆自己總是不青春並且羨慕其他看起來很青春的人，再到發現原來青春不是只有一種樣貌，進而體會到原來我心中抱有的某種東西就是青春。這段追逐並且探索青春的路走來並不簡單，在我以為這段路告一段落的階段，看了這部片，也是一種青春，甚至將青春的層次拉得更廣了。

這部片的作者本身就是電影編劇出身的，也執導過片子。在本片原著暢銷之後，親自執導這部電影。我沒看過原著，單就看這部電影的話，私心是非常喜歡的。演員和配樂是兩大令人喜歡的元素，一直蠻喜歡這樣直接選用歌曲來堆疊劇情和氛圍的方式，當然這需要絕佳的音樂品味和研究背景才能有好的效果。攝影和美術雖然並不是相對突出，不過也沒甚麼好值得抱怨的。劇情和風格更不用說了，整體上相當清新豐富，細節都有顧慮到，後勁蠻強的一部片。

我要跳過劇情簡介了。

沒有錯，集結了英國影史最堅強的「老」演員們，《The Best Exotic Marigold Hotel/金盞花大酒店》由這些演技派的老薑們堆疊起一種很不一樣的基石，使我們看到了人生無限可能中的另一種不同視野。

其實我是最受不了老人的，我的受不了是指「無法抗拒」，好吧愈描愈黑。我的意思是，老人是我的罩門。看到老人臉上那歷盡風霜的皺紋，皮膚上一點一點的黑斑，顏色淡了的眼珠子讓他們永遠看起來都像在想很多心事，最後是我無法克制的將自己的想像力加諸他們身上，不停猜測他們年輕的故事，想像當時的時代背景。

再強調一次，如果早九年出生就好了。

生活在歐美，尤其是英國，這樣一個古典與新潮不斷在衝擊的國家，許多人生的意義常常就在一杯茶的時間消失了。舊有的，更迭的如此快速；新有的，卻來不及建立。一個還捨不得拋棄皇室－即使它理論上是沒甚麼作用僅能做為一種歷史象徵－的國家，要民主，也還留著君主。懷想著舊時代偉大的大英帝國，擁有世界上最多的殖民地，優越的血統隨著歷史的洪流愈沖愈淡。到最後，還在講血統的人變成了種族歧視者，是現今社會中（表面上）的最下等人。

印度，舊的殖民地，有著濃濃的異國情調。那裡的顏色都是那麼勇敢，大紅大黃大綠，毫不遮掩的一種原始。當然，同時它們也急遽的現代化，全世界最大的外包中心就在印度，直接與間藉導致了第一世界多少種類型工作的消失，多少人口失業或被迫轉業。一個還以為它們遠遠落後卻默默竄起甚至帶點威脅的國家。老人們滿懷著探索體驗的勇氣，來到了這裡。

整部電影從這首歌與幾顆非常流暢的鏡頭帶出三位主角開始，個人非常喜歡，覺得這首歌搭配黑夜中的果園有種不可言喻的張力。

這部片太受矚目了，所以我也不打算很認真的寫甚麼影評。而且很久沒認真寫甚麼東西了，對，我就是一個只要談戀愛就寫不出東西的女人。媽的。

好吧，講回這部片。對我而言，這部片很清楚的切割出兩個大主題，愛情與理想。當然，硬要講的話，其實也有「理想中的愛情」和「愛情中的理想」互相糾纏。不過說實在的，一部有內涵的電影，其實不止是電影，任何創作作品都是這樣，深度與廣度交錯中有許多糾纏和複雜，是無法乾淨俐落的切割分析的。現在姑且為了方便，先如此切入吧。

愛情，顯然的，這在部片中囊括了女男、男男、男女之間老舊卻也新穎的三角習題。這麼說好了，有重色輕友的朋友，就會有重友輕色的男朋友。愛情與友情之間雖然定義上可以清清楚楚，但人生中它們也可以是以一種糾纏的形態並存著。這部片一開始林美寶（桂綸鎂飾）淡淡的喜歡著陳忠良（張孝全飾），陳忠良表白說林美寶不是他的女朋友之後，王心仁（鳳小岳飾）告白林美寶，之後我們才發現了原來陳忠良愛著王心仁。要細細說分明我覺得實在太累了，我要很不負責任的下小結論，感情（包含著愛情和友情）本身就是一個永遠難解的存在，再加上人（包含男女）的多樣性和可能性，堆疊出來的就是一團亂。這團亂可能就是陳忠良片中所說的「自討苦吃」。這段台詞寫的很好哪，「唯一肯為我吃苦的人」短短幾個字道盡了多少人世間的愛恨情仇。而誠如陳忠良所說的，往往，我們是在自討苦吃。話雖如此，我雖欣賞這段對白，卻不表示絕對認同。我們可以瀟灑、可以淡然，同樣也可以選擇糾結、選擇複雜。人如果願意放下外在內在一切拘束，「隨心」的力量可以架構一個世界，當然也可以讓一個世界崩壞。這又是一個老到不能再老的道理，就不想打出來拉高整篇文章的年齡。

我的意思是，片中角色在愛情上，每個人都有掙扎和痛苦之處，包含王心仁的老婆（房思瑜飾）。人世間一定有平穩又安定的愛情，那樣的愛情平凡中見偉大；那麼，這些「不三不四」的愛情，也許就是亂世中不幸同時也幸運的種子吧。它們在荒野被種下之後，成長、茁壯，接著以自身的存在告訴眾人，這世界上還有這一群人。嗯，好吧，我在暗示作者論，暗示導演是顆大樹。沒有啦～

在又帥又酷的白大維帶領之下，我們看了整整一學期的Martin Scorsese（下學期是Woody Allen），從第一部《Mean Street/殘酷大街》與Robert De Niro的相遇以及他身為導演建立了個人日後風格的基石，到《Taxi Driver/計程車司機》、《New York, New York》、《Raging Bull》、《The King of Comedy》...再到《The Age of Innocence /純真年代》、《The Departed /神鬼無間》、《Shutter Island /隔離島》以及本篇主角《Hugo/雨果的冒險》，他執導數十部電影，每一個階段都有非凡的表現。3D電影從一開始大家戴上眼鏡之後都會試圖想抓住從螢幕跳出來的東西、驚呼著彷彿要被從螢幕衝出來的球或甚麼東西打中、再到開始覺得戴眼鏡好重、票這麼貴值得嗎...節節敗退的3D在Scoresese的手上復活了。3D因為本質的關係，受限於螢幕框，其實也就是攝影機的框，只要出框，人們的理智會立刻回應說：「這是假像」，於是視覺被沖擊的能力就被削弱了。

但在受限於框內的先天不足條件之下，攝影的運鏡仍然是能將這個時代最讓人驚呼的發展之一起死回生。從第一顆這麼流暢厲害的鏡頭開始，我們感受到Scoresese不凡的野心。和國片《Love/愛》第一顆一鏡到底不一樣的是，這顆鏡頭展現了3D的無限可能、好萊塢技術的無人能及、導演的行雲流水以及攝影師的充分發揮。好吧，這麼一說就會讓大家發現，我對《Love》那顆鏡頭雖然感到導演和攝影指導李屏賓大師的用心與企圖，卻不得不說那真是一顆心有餘而力不足的鏡頭，不管是場面調度、運鏡流暢度、甚至是那非常擾人的片頭上字方式，都讓我覺得...不提也罷。十分佩服他們的企圖心，但一切真的太刻意太...多了。好了不忍心再說了。

對，剛剛提到了場面調度，這也是導演功力立刻見高低的因素。一顆鏡頭的移動，畫面內所有的人事物都需要精心安排，應該是經過一萬次的腦中排練，以及燒錢燒時間的充分讓現場所有工作人員、所有演員知道自己要幹嘛並發揮到自己的十分力量，造就出一個值得後世稱頌的片段。最有名的例子大概是《Touch of Evil/歷劫佳人》的這顆鏡頭。它既已成為經典，如果只是模仿，就很容易變成刻意的失敗。反之，用得好就會是一種致意，拍電影真難啊！（做人也是...又離題了。）

對於本片的劇情，其實我真的沒甚麼好說的。嚴格說起來，我認為它甚至還有點鬆散，會讓一般大眾覺得視覺很炫，但劇情好像沒甚麼特別值得一提的地方。但不得不說，並且是以一種真的不以此為傲的心情來說，這部電影是Martin Scoresese拍給所有電影人的一部情書。講「電影人」好像是認為自己站在某種高處與凡人不同，但我這裡的「電影人」只是很簡單的指「愛電影的人」。尤其是從電影的誕生開始愛起的人。有些人可能會用「底子」來形容這樣的人，但這樣一講很容易陷入學院派/街頭派這永遠沒有答案的戰爭，我們就休息一下別講這些好了。總而言之，Scoresese不僅明目張膽在這部電影裡置入許多黑白老電影之外，整個故事根本就是一個對電影大師梅利葉的致敬。非常精準又聰明的，對照當時世人公認第一部電影法國盧米埃兄弟的《火車進站》帶給世人的震驚，Scoresese這部3D電影也帶來了相同的影響力，提醒大家3D還沒死，3D還有繼續深究的空間。以一名憤世嫉俗和滔滔不絕為名的導演來說，這部片說是他溫柔的情書一點也不為過吧。

這是黑澤明執導的《Dreams/夢》，Scoresese在裡面扮演了梵谷(Vincent Van Gough)，一個滔滔不絕的梵谷。放這段其實也沒甚麼特別的用意，只是讓大家看一下Scoresese的樣子以及當代電影大師交流之下的火花。看到沒，我就是這麼會離題！

之前認識的新加坡監製分享過他和David Fincher合作的經驗，據他的說法是場噩夢。他說David Fincher是個很難合作的導演，很挑，態度很差之類的。可是他的每一部作品，我都非常喜歡，雖然大部分都是驚悚片或是推理片，是我本身沒有特別感興趣的片型，但還是對於他掌握節奏以及鮮明的個人風格感到非常欣賞。看著這部電影的時候，我一直心念著監製的評語，眼看著畫面上每一處細節，我曉得這部片製片組應該很慘，可能是拍完就集體離職的那種，但我心中幻想，他們到戲院看了這部電影，應該還是會覺得一切都是非常值得的，然後重擁電影夢，重新回到David Fincher身邊。

一個導演的好壞，不必然是他的人格、性格友善與否，或是可不可以協調。堅持自我風格和不吝於要求別人的導演，的確在他們底下工作會胃很痛，但只要弄出來的東西真的令人嘖嘖稱奇，這樣的導演又怎麼能說他是壞導演呢？相反的，一個甚麼都說好的導演，你可以和他像朋友一樣相處的導演，拍出來的東西真的很平很普通，那要怎麼說他是一位好導演？好吧，這麼一說，就回到了好/壞的定義和立場。這裡姑且不提。反正對於David Fincher，我的結論是，我還是崇拜他的才華！

上面這個片段是本片的開場，俗稱opening credit。以前上電影概論的時候，上到《The Crying Game/亂世浮生》這部電影，教授一直逼我們寫出來opening credit那段代表著甚麼意思，當時真的是胃很痛，最後拿了0分。那是一個在橋墩下的tracking shot，現在想起來大概是透露著某種不尋常吧，確切的意義我還是沒有認真去想過。提出這個例子只是想表達，opening credit並不只是單純一個開場，往往也是建立整部電影基調和隱喻的開始。本片的這一段我在戲院裡看的時候只覺得很酷，然後心裡真的想說這...短短幾分鐘不知道要搞多久或搞死多少人。不過後來再看幾次之後，覺得蠻有趣的。這一整段這麼非寫實，有點科技感同時又帶著點黑暗陰鬱深沉的呈現，其實和整部電影的tone調是蠻不一樣的，但也因為這樣的突兀性，使得觀者一定會去注意它的意義或是內涵，有時候就是一種突顯的手法才能逼迫觀眾的注目。當然，也有很多時候，很多意義是用一種被埋在底下，希望你發現而去挖掘，若是你沒發現就算了的方式被置入。這又牽扯到時代背景和導演思維，有時候話不能說太明，所以用掩藏的，例如戰亂時代或是白色恐怖這種，那有時候可能只是導演覺得在這個地方不應大張旗鼓，而是應該順著劇情在第二層悄悄鋪陳，於是就保持低調。

哎唷，一部電影真的有太多可以說了，講不完了啦。

還是發表一些比較通俗的評論好了。

晚上11:50下班，心裡覺得真是太早了，竟然還來得及去白鹿洞，緣份讓我租了這部片，在種種時空背景因素之下，又喚起我想拍的還是電影這件事情。

整部片走的光調很美麗，暖暖的，自然的，很舒服的。攝影很棒！

片子裡稀奇古怪的道具，Lily房內的佈置擺設、Clara和Piere巴黎公寓的設計、鄉間的紅色敞篷車...每一樣東西對我來說都恰到好處，同時又與片子本質上帶有稍微魔幻氣息相呼應。美術很棒！

兩位女演員的表現都相當亮眼。Lily(Ludivine Sagnier飾演)雖然...老實說我覺得其實看得出她不小了，但也因為她臉上帶有一些歲月的痕跡又搭配瘋瘋癲癲的角色，意外有種奇妙的激盪。而Clara(Diane Kruger)雖然角色性格相對而言比較平面，但是我真心相信演技好壞和演得自不自然有很大的關係，好啦當然還是要看是哪種片子，總之，「搭配」是個很重要的關鍵！（好像又偏題了）簡言之，演員很棒！

配樂，很簡單，就是好聽！

本片片頭曲搭配著光調自然的畫面，在歌詞唱到"I'm just a tree"的時候浮上了片名《The Tree》算是一個頗有力度的手法。

本片在各方面都是相當厲害的，劇本、配樂、攝影、美術、演出...都有很高的水準。重要的是，對於能夠保持簡單地掌握住原始鄉野的風光與家人之間的情感，我真心覺得很不容易。雖然我並不是很確定「小品」電影這樣的類型，但這部片大概可以姑且用小品來形容吧。清新、脫俗、保持著一種慵懶、緩慢卻不沈悶的節奏進行著劇情，不時又出現一些讓人發出「awwwwww」或是會心一笑的小橋段，聽起來就很小品吧！

不過話說回來，本片講的內容其實也是可以搞得很壯闊。喪夫、喪父對一個家庭來說都是巨大無比的悲傷，只是每當提到這樣子的悲傷，好像只能無奈的接受然後繼續過活。不過透過樹的暗喻和象徵（話說回來，以前義務教育時期學的譬喻法和象徵法的不同，好像長大後就忘了，每次只是憑感覺在用詞，哈），使得本片的內容已經不只只在講「失去」，更多的是「生命」。透過相信著死去的靈魂附著在樹上，將對父親及丈夫的形象投射在壯碩的大樹上，風吹著樹動，樹也動得像是活了起來。死與生之間的差別究竟是存在現實中，還是人的想像其實決定一切？

當然，我們可以知道的是，故事，就是只能發生在活著的人身上。再怎麼想像，死去的人是沒有辦法說故事或著發生故事的。也許，死去的人可以藉著活著的人而活在某一個空間，腦空間、樹空間、催眠空間、宗教空間...不管哪種空間，都是憑藉著活著的人的意志而產生的空間。這也許可以視為「活著還是比較好」的一種證據吧。

那麼，來提提女主角吧！（轉得非常硬，沒錯，因為我上一段寫完必須先離開，回來之後要接著寫就...思緒不連貫了，哈哈果然很業餘）

首先這部片的配樂真的很棒，以The Heavy的How You Like Me Now開始，搭配Christian Bale不知為何風光逛大街的神氣，真的是好好看！

曾經我的同學和我說過一句話：「一部片中一個演員爛，可能是演員的問題；但每個演員都爛，那就是導演的問題了。」沒錯，以這句話的標準檢視這部片，那導演David O. Russell實在太強了！這部片中雖然有主角戲分/戲劇成分被吃掉的問題（不過話說回來，大家基本上都認為Mark Wahlberg被提做男主角也是報名奧斯卡的策略之一，除此之外猜測和他身為製片之一可能也有關係），不過即使如此，主角演得還是至少穩扎穩打，把Micky Ward這個角色詮釋得很剛好。上一部看過David O. Russell的電影是《I Heart Huckabees/心靈偵探社》，當時乍看還以為是無厘頭的搞笑片，但看了之後才發現的確是蠻無厘頭的，不過卻不太搞笑。如果這個時候硬要說我覺得看得出Huckabees和這部片的關聯，好像有點矯情了，但我還真的是這麼覺得。大概是導演在處理對話的方法和思維還是可以看出一些端倪吧！

本來想試圖討論一下兩部片，可是又覺得自己這樣太貪心了，還是好好記錄看這部片的心得就好了我。

本片以一種感覺像是低成本的紀錄片方式開始，粗粒子畫面、簡陋的房間、兩位素人，以’這種偽紀錄片的形式開場，一方面置入了一種真實感（來自於改編自真實故事），另一方面也奠定了本片tone調的基石-樸實、簡單的故事。我相信這世界這麼大，一定有很多故事是非常精彩，精彩度可比《變形金剛》那樣炫目的程度；不過（也許）大部分的故事還是樸實的，有戲劇性沒錯，但本質上是簡單寫實的。天啊，我這個人真的非常缺乏形容詞，有緣人會懂我的意思我想。總之，那麼，你大概會想問，這到底是甚麼故事？如果要很簡單的回，那它可以說是一個拳擊手的故事，也可以說是一個家庭的故事，或著是一種人生的故事。從失敗到成功，或是相反的方向，人生之中本來就充滿這樣的來來回回，再搭配一種米養出百種人這樣子的倍數，交織而出的就會是無數過程和結果。這部片的兩位兄弟則是在這樣諾大的網絡之中，活了一段不算精彩但能獲得共鳴的那種故事。我不太想使用「激勵人心」這種詞彙，不過如果你要這麼想，我也不反對就是了。

本片故事發生在Lowell（洛威爾），一個失落的小鎮。故事中遍布著所謂的「小鎮情結」，曾經在工業時代還算是繁榮的地方，經歷變革來到商業時代之後已經不堪使用而淪為毒窟或是貧民窟，活在這樣又小又封閉又傷痕累累的地方，人們的希望在哪裡？片中Micky的哥哥Dicky也許曾經是鎮上居民的希望所在，希望在那麼一個鳥地方還是能有一個成功的人，如此一來至少還有一個「至少」，而不會全盤都無。所以當Dicky在片頭偽紀錄式的對話之後，我們看到他帶著他弟弟風光的走在鎮上，一路上和每個人打招呼，說起自己正在被HBO拍攝那樣的姿態和表情，再對照於後來我們逐漸了解到他陷在毒窟中的樣子，這之中的落差具現了小鎮歷史的衰落，以及美國本土社會的面貌。

John Mayer這首歌除了是這部片的片尾曲之外，歌詞其實也蠻符合這部片的一些心境，所以大家就邊聽邊閱讀以下很有可能半途而廢的心得文吧！哈哈！

《Ghost Town/超感應妙醫》是一部並不會用力過度的喜劇，於是我姑且稱之為輕喜劇，這類喜劇通常也會有一些同樣地，力度不會太強烈的啟示或是inspiration。以這部片為例，以男主角為中心，一連串有點荒謬又不是那種無厘頭式或是很誇張式的荒謬事情：從一開始他推延病患約診而被誤認為要去約會那段很尷尬又好笑的談話、在醫院櫃檯與護士針鋒相對的一問一答（對啊！為什麼我們從未想過有些問題其實可以不用回答？）、為了結腸檢查（colonoscopy這件事情在國外的文化上來說有奇妙的笑點，大概類似台灣講到痔瘡那樣吧）而要求全身麻醉、在麻醉過程中主治醫生荒唐地討論起自己曬成小麥色以及還想曬更深才能凸顯自己的眼睛、到之後主角發現自己看見形形色色的鬼魂去找醫生理論，醫生不斷打斷他要講的話這邊又是讓我無法停止大笑...一連串冷面笑匠式的笑點舖陳來到故事的主線－－－主角看得見鬼魂，而曼哈頓的這些鬼魂們有著未了的心事需要他幫忙。

如同往常，我就在此省略故事劇情了。

除了笑點之外，比較引起我注意的，其中一點是主角的轉變，從冷漠的人（其實同時也是身上背負著傷口的人）到打開心房願意接納別人的人，雖然被我形容成這樣好像很老梗，但老話一句，梗不是看老不老，是看怎麼被呈現的嘛！在他與女主角逐漸了解對方的過程中，他曾說自己的故事很無聊又平凡（不外乎就是被甩了之類的），女主角之後說了一段我認為蠻值得想想的話：「We just get the one life, you know. Just one. You can't live someone
else's or think it's more important just because it's more dramatic.

好吧。首先，誠品是不是有在主打這本書，我真的不知道。只是上次去拜訪當時在那裡工作、現已離職的朋友時，看到它占據了頗大一個角落。其實我幾乎不會在誠品購書，因為有博客來和母親這個絕招，當然是能省則省啊！（又沒人性了...）

那為什麼我要講說誠品主打呢？可能是那位「當時在那裡工作、現已離職的朋友」有稍微洩漏誠品在選主打書時的觀念，讓我覺得...也沒特別厲害嘛，哈哈。如果一本已經很暢銷的書、或是一位已經很暢銷的作家，那去主打這本書、這個作家時的心情到底應該是甚麼呢？是「這本書真的非常非常好，拜託你們看一下好不好！」還是說「全世界都在看這本書，所以你也一定要看！」又或著是「大家都說好，不跟著說好，顯得我好像沒眼光一樣，所以你們就看吧！」

如果現在我說，舉出誠品做為例子，是因為我想借用「誠品」這樣一個文藝界（書店界？）的龍頭來展示這本書中所提到的「巨大系統」、「科層制」...是不是有點牽強？其實我說，一開始敲下鍵盤的時候，我還真的沒想這麼多。哈哈。

在這本書的後記伊坂也有說到這本書和《Golden Slumbers 宅配男與披頭四搖籃曲》之中的確有許多相似的地方。其中最大的相似，就是和這種「巨大」、「國家機器」奮鬥的情節以及主角們產生的感想和領悟吧。不過兩本書的切入角度是還蠻不同的，《Golden Slumbers 宅配男與披頭四搖籃曲》比較是主角被追著、壓著...直到我們讀者慢慢察覺事情的格局愈來愈大；而《Modern Times 摩登時代》則比較像是主角主動去挖掘去追著這個事件，我們讀者則「應該」在偏早的時候...就慢慢能猜出個大概了吧。

這本書給我的懸疑感並不如上一本那麼重，主角們個性的塑造是還不錯，可是也不如上一本那麼鮮明。至於情節方面，不曉得是不是因為這本書原是「連載小說」的模式，所以比起來真的像是56篇短篇小說，沒有那麼連貫，也沒有那麼細膩。「連載」這個模式，不管是小說、漫畫、電視劇...，都有一個很方便卻很惱人的問題，那就是「重複」。其實本質也許是極為貼心的設計，深怕讀者忘記之前發生甚麼事情，所以前情提要一下；只是像《Modern Times 摩登時代》這樣的例子，它的前情提要就出現在主角的自述或是主角間的對白，不停的使用「這使我想起了.......」這類的方式。身為一個比較喜歡長篇小說的讀者，在我看來，這是有點偷懶又會產生負面影響的模式，真心希望伊坂幸太郎不要再這樣，哈哈哈，話說得好重！